Национальная галерея Шотландии: читать книгу онлайн полностью и бесплатно

Представленное в экспозиции произведение отражает личные интересы художника-самоучки. На полотне изображено просторное помещение с нишей, в которой находится стол, заставленный книгами и предметами, необходимыми магу для проведения обрядов. В небольшом окне просматривается вечерний пейзаж: в широкий простор водной глади, серебрящейся от лунного отсвета, вклинивается суша. На первом плане стоит облаченный в темные одежды чародей. В руке он держит длинную тонкую палку, которая направлена в сторону лежащего на каменном полу в меловом круге черепа. Совершая магическое действо, герой рисует мелом на стене знак. За спиной колдуна, в темном углу ниши, сидит старик, погруженный в свои мысли. Возможно, он ожидает завершения ритуала, чтобы увидеть результат. Колорит картины строится на сопоставлении теплых и светлых тонов охры, красно- и темно-коричневых оттенков.

Выдающийся импрессионист Клод Моне родился в Париже, но через пять лет семья переехала в Нормандию, в Гавр, где прошло становление будущего художника. Около 1844 юноша познакомился с пейзажистом Эженом Буденом, создававшим свои картины на открытом воздухе, а не в мастерской, как это было принято в то время. Вскоре, оценив достоинства работы на пленэре, Моне стал пробовать свои силы в живописи и писать ландшафты, находясь непосредственно на природе. Удачные опыты подвигли его к идее, вопреки желанию отца, стать профессиональным художником. В 1859 он поступил в Академию Сюисса в Париже. После непродолжительной службы в армии, в 1862 Моне начал учиться у известного живописца Шарля Глейера. Здесь он познакомился Пьером Огюстом Ренуаром, Альфредом Сислеем, Фредериком Базелем, которые стали не только его друзьями, но и единомышленниками.

В экспозиции Национальной галереи Шотландии находится одно из самых ранних полотен художника — «Морской пейзаж. Корабли в лунном свете». Моне изобразил здесь порт Нормандии Онфлёр. На фоне ночного неба, где темные облака скрывают луну, чей свет яркими всполохами ложится на воду, корабли и парусные лодки выглядят черными силуэтами, практически растворяясь в окружающем их пространстве. Создавая это произведение, мастер использовал не только кисти, но и мастихин — специальный нож, применяемый в масляной живописи для смешивания и нанесения красок, очистки палитры, грунтования холста и другого.

Эдгар Дега — французский художник, график и скульптор, крупнейший представитель импрессионизма. Родившись в семье банкира, он получил прекрасное образование в лицее Людовика Великого, затем поступил на юридический факультет Парижского университета, однако вскоре осознал, что хочет посвятить себя искусству, и оставил юриспруденцию. Юноша стал посещать одновременно Школу изящных искусств и мастерскую Л. Ламота. В 1856 он уехал в Италию, где на протяжении двух лет изучал полотна художников Возрождения, копировал их, делал зарисовки. Особенно высоко молодой живописец ценил творчество А. Мантеньи и П. Веронезе. В этот период он начал создавать портреты, в большинстве случаев запечатлевая на холсте своих родственников. Для полотен этого жанра характерен точный и четкий рисунок, в них изысканная манера письма сочетается стойкой наблюдательностью.

Портрет своего друга Диего Мартелли Дега создал уже будучи зрелым мастером. Немолодой художник и критик сидит около стола, на котором разложены различные бумаги и рисунки. Отметим, что находящийся среди них небольшой набросок Мартелли также хранится в Национальной галерее Шотландии. Он оставил свое занятие, и, задумавшись, застыл в неудобной позе. Над диваном, покрытым синим чехлом, висит карта Парижа. Строя композицию портрета, Дега показывает модель и предметы в комнате с высокой точки зрения. Это дает ему возможность передать в полотне ощущение неуловимой динамики и сиюминутности.

Произведения Эдгара Дега начиная с конца 1880-х приобретают большее декоративное звучание. К этому периоду относятся работы, посвященные купальщицам, занятым приемом ванны, вытирающимся или уже одевающимся. Изображенные художником прекрасные молодые женщины не стремятся принять красивое положение, чтобы понравиться зрителю, напротив, они совершенно не заботятся о том, как выглядят со стороны. Их жесты и позы кажутся вполне оправданными в смоделированных Дега ситуациях.

Большинство произведений из этой серии выполнены пастелью. Работая в данной технике, мастер часто экспериментировал, добиваясь максимальной выразительности изображения.

Французский художник Жюль Бастьен-Лепаж обучался живописи у Александра Кабанеля, позже поступил в Школу изящных искусств. Он принимал участие в Немецко-французской войне, в ходе которой был ранен. Бастьен-Лепаж в начале 1880-х совершил путешествие по Италии и Англии, посетил Алжир. Большую часть своего времени он проводил на севере Франции, где был широко известен. Его кисти принадлежат полотна на исторические сюжеты и портреты. Особую популярность мастеру принесли композиции, изображающие сцены из жизни крестьян. Довольно часто художник работал на пленэре, испытывал влияние Гюстава Курбе, Жана Франсуа Милле и Эдуарда Мане.

Одна из работ живописца, «Pas Meche», представлена в экспозиции Национальной галереи Шотландии. Не ней изображен нищий мальчишка лет двенадцати. Он одет в старое заношенное пальтишко, короткие залатанные брюки и стоптанные башмаки без шнурков. Герой с интересом смотрит на зрителя, в руках он держит длинный хлыст, а за его спиной можно увидеть трубу — эти детали позволяют предположить, что ребенок управлял лошадьми, которые тянули по реке баржу, и должен был оповещать о ее прибытии к месту назначения.

Данное полотно было показано на посмертной выставке художника, состоявшейся в 1885 в Париже.

Французский художник-постимпрессионист Жорж Сёра является одним из основателей неоимпрессионизма и нового стиля живописи — пуантилизма. Он получил образование в муниципальной школе рисунка, затем учился в Школе изящных искусств.

Одно из первых крупных произведений Сёра — многофигурная композиция «Купальщики в Аньёре» (1883–1884, Национальная галерея, Лондон). К работе над ней он приступил в начале 1880-х. Художник часто приезжал в Аньёр, на остров Гранд-Жатт. Здесь он устраивался на берегу Сены напротив моста Курбвуа. Со всего Парижа сюда стекались горожане, чтобы предаться отдыху у воды, позагорать на солнце и покататься на лодках. Сёра делал множество зарисовок и писал этюды для своего будущего произведения, тщательно выбирая наиболее выгодные ракурсы для персонажей, а также нужные детали. Многое из того, что мастер запечатлел в эскизах, не удовлетворило его. Так, например, он отказался от изображения радуги и лошадей в законченном варианте полотна. В эскизе, хранящемся в музее, Сёра представил сцену с купанием коня. Обращает на себя внимание широкая и свободная манера письма мастера и то, как художник прямо на рабочей поверхности смешивает цвета и накладывает корпусные мазки солнечных бликов.

Пуантилизм (или дивизионизм) — направление, возникшее во французском искусстве в последней четверти XIX века в живописи неоимпрессионизма. В его основе — идея письма раздельными мазками, форма которых приближена к правильной круглой (реже — квадратной) формы. На холст краски наносятся без предварительного смешивания на палитре. Чистые цвета в пуантилистических произведениях получают «сложное» звучание за счет оптического эффекта.

На полотне «Люцерна, Сен-Дени» изображен простой сельский уголок. Дома и хозяйственные постройки, виднеющиеся у горизонта, находятся за большим полем люцерны, в котором можно заметить яркие цветы маков. Эта картина (средний план) является замечательным примером использования Сёра техники пуантилизма. Однако обращает на себя внимание первый план, где краска накладывается короткими удлиненными мазками, при этом ее слои и цвета смешиваются между собой на холсте (а не оптически), что является имитацией приемов техники.

Поль Гоген был одним из четырех величайших мастеров постимпрессионизма. Наряду с Полем Сезанном, Винсентом Ван Гогом и Анри Тулуз-Лотреком он воспринял уроки импрессионизма, а потом взорвал стиль изнутри, создав свой неповторимый художественный язык.

Представленный в экспозиции Национальной галереи Шотландии пейзаж был написан на Мартинике. Он — одно из лучших произведений, созданных Гогеном на острове, где творец провел несколько месяцев в 1887. Чтобы передать экзотический характер ландшафта, живописец использовал яркие краски, которые ровными мазками нанес на холст, придав тем самым полотну структурированность.

В 1888 Поль Гоген на некоторое время поселился в Понт-Авене. Здесь он стал лидером и вдохновителем так называемой понтавенской школы, которая сыграла важную роль в формировании постимпрессионизма. Ее представители (Лаваль, Де Шамайяр, Бернар, Серюзье и другие) в своих творческих исканиях двигались параллельно с Гогеном.

Стиль, к которому он пришел в Бретани, впоследствии получил название «клуазонизм». Главным выразительным средством в нем стала пластичность линии. В подражание японскому искусству каждый изображенный элемент обводился тонкой контурной линией. Таким образом, предметы отделялись друг от друга, превращаясь в замкнутое, локально окрашенное целое. Хотя линия и контур в искусстве живописца играли значительную роль, самым важным для него всегда был цвет. Мастер практически полностью очистил свои полотна от многообразия оттенков и переходов, приведя их к чистому цвету. Он считал, что только цвет может стоять на одной ступени со светом. В искусстве художника практически нет места тени, потому что она противоречила его плоскостному пониманию формы.

Новое воплощение стиль Гогена получил в картинах, созданных в Бретани. Мастеру очень нравилась здешняя атмосфера, а сами бретонцы казались ему более целостными и близкими к природе, нежели люди его круга, ставившие на первое место исключительно материальные ценности.

Видимо, под впечатлением от этой атмосферы художник написал одну из своих самых известных картин — «Видение после проповеди». Она построена на контрасте двух сцен: реальной, где бретонские женщины слушают воскресную проповедь, и воображаемой — битвы Иакова с ангелом. Два композиционных плана четко отделены друг от друга черной полосой, являющейся границей с фантастическим миром. Несмотря на то что Гоген пытался уравновесить обе эти части при помощи цвета и ритма, целостности произведения добиться не удалось. Однако резкие контрасты в колорите позволили ему создать яркое декоративное панно.