Чикагский художественный институт: читать книгу онлайн полностью и бесплатно

Он был основан в 1879 как Чикагская академия изобразительных искусств. В 1892 название было изменено на нынешнее.

Уже в первый год существования Художественный институт получил свой первый дар — коллекцию французской живописи, пожертвованную Генри Филдом: шедевры Ж. Ф. Милле, К. Коро, Ш. Добиньи, Э. Делакруа, Ж. Дюпре, Н. Диаза де ла Пеньи, Т. Руссо. Дару было отведено достойное место в музее — он экспонировался в первом зале.

В 1913 участие Института в выставке авангардной европейской живописи и скульптуры привело к тому, что благодаря спонсорам его собрание значительно пополнилось произведениями современного искусства. Институт по своему типу превратился в энциклопедический музей, в котором были представлены если не все направления искусства, то очень многие. А щедрые дары продолжали поступать, коллекция расширялась.

В тяжелейшее время Великой депрессии Институт получил самое крупное пожертвование за всю его историю — коллекцию произведений европейского и азиатского искусства начиная с XV века из собрания Мартина А. Райерсона — одного из основателей музея. Он также передал учреждению свою обширную библиотеку, которая по праву носит его имя. Учитывая энциклопедическую направленность музейного собрания, Райерсон приобретал большие серии произведений искусства разных стран и эпох, от классической античности до XX века: живопись, скульптуру, текстиль, графику, декоративно-прикладное искусство.

После Колумбовской всемирной выставки в 1893, на которой были широко представлены картины французских импрессионистов, необычайно возрос интерес коллекционеров к их творчеству. Райерсон стал их страстным поклонником и приобрел более десятка работ, в том числе «Прибытие поезда „Нормандия“ на вокзал Сен-Лазар» (1877) Клода Моне. Во время посещения художника во Франции, в Живерни, в 1920, Райерсон пытался купить у него другие произведения, но в тот момент Моне уже передал их французскому правительству.

В 1938 умерла вдова Райерсона, и музей по ее завещанию получил ряд картин из коллекции этого семейства.

Художественному институту был сделан еще ряд очень крупных пожертвований. В 1922 — собрание французской живописи Поттера Палмера и его жены Берты Оноре. С этим приобретением музей стал одним из крупнейших хранилищ произведений импрессионистов. Достаточно сказать, что в коллекции супругов было 40 картин Клода Моне, а также полотна Э. Мане, О. Ренуара, А. Сислея, К. Писсарро. После смерти Берты Оноре коллекция семьи Палмер была поделена между ее любимым музеем — Чикагским художественным институтом и наследниками.

В 1927 произошло очень важное событие в жизни музея. Одну из его галерей, в которой хранились творения старых европейских мастеров (потом они были перенесены в другое место), реконструировали для того, чтобы разместить в ней личную коллекцию Фредерика Клейя Бартлетта и его жены Хелен Берч, переданную в дар музею. Ряд картин в этой коллекции был приобретен супругами в поездке по Европе, в которой они специально устанавливали связи с торговцами работами постимпрессионистов и модернистов. Галерею выкрасили в белый цвет, а картины вставили в белые рамы — ход весьма непривычный. Были представлены произведения Т. Руссо, А. Матисса, А. Модильяни, П. Пикассо. Причем эти выдающиеся творения современного искусства оказались доступны широкой публике в чикагском музее даже раньше, чем был открыт Музей современного искусства в Нью-Йорке.

Увеличение собрания Института означало проблему расширения его экспозиционных площадей. Тем более что к началу XX века в музее были собраны самые разнообразные коллекции, которые требовали обособленного размещения: африканское, американское, античное, византийское, азиатское, современное искусство, графика и рисунок. В настоящее время собрание включает 45 тысяч произведений искусства.

Всего за время существования музея провели пятнадцать реконструкций. Последнюю предприняли в 2009, когда было сооружено так называемое Современное крыло. Автор архитектурного проекта — Ренцо Пьяно — обладатель многих международных архитектурных премий, в том числе самой престижной Притцкеровской. Теперь по общей площади Институт оказался на втором месте в списке крупнейших музеев США после нью-йоркского Метрополитен.

Художественное собрание Института распределено по нескольким крупным разделам. Африканская коллекция включает более 400 работ, которые подчеркивают разнообразие художественного выражения на континенте к югу от Сахары, с акцентом на скульптурной традиции Западной и Центральной Африки. Здесь представлены маски и фигурные скульптуры, изделия из бисера, текстиль, мебель.

Коллекция европейского искусства включает более 3500 произведений начиная с XII века. Ценнейший раздел — работы импрессионистов и постимпрессионистов.

В отделе искусства США хранятся более тысячи картин и скульптур и около 2500 предметов декоративного искусства начиная с XVIII века до середины XX века. Одним из шедевров этого раздела собрания является картина Гранта Вуда «Американская готика», ставшая самым известным художественным образом американского искусства первой половины XX века. Кстати, столько не пародировалось ни одно другое произведение. В коллекции значительный раздел составляет фотоискусство. Здесь собраны выдающиеся образцы этого жанра — работы Альфреда Стиглица. Он был первым фотографом, чьи произведения вошли в собрания ведущих музеев США и стали экспонироваться наряду с картинами знаменитых художников.

Искусство XV–XVII веков

Бернардо Марторель — испанский живописец, миниатюрист. Примечательно, что его имя стало известно лишь в конце 1930-х. До этого художник именовался Мастером Святого Георгия, именно по данному центральному панно алтаря святого, четыре боковые композиции которого хранятся в Лувре.

Святой Георгий, как гласит предание, победил дракона, намеревавшегося пожрать принесенную ему в жертву царскую дочь, и тем самым спас ее. Ключ к пониманию сюжета — в драконе. Для ранних христиан он символизировал зло, в особенности язычество. Потому обращение языческих стран в христианство могло быть представлено в символической форме — как пронзание дракона пикой. Так было принято изображать святого Георгия, это означало победу Каппадокии — города, в котором он родился. Сам город персонифицировался девой — эта традиция была известна в античности, у Афин и Рима были такие покровительствовавшие им божества.

На Западе данный сюжет стал популярным в XIII веке. Вскоре выработался тип его изображения. Картина Мартореля, исполненная в стиле так называемой интернациональной готики, — яркий образец его иконографии: дракон, как обычно, крылатый и покрыт чешуей, святой на белом коне облачен в доспехи римского средневекового рыцаря. Этот образ станет традиционным, в следующем столетии он будет увековечен Рафаэлем в картине «Битва святого Георгия с драконом» (1505–1506, Национальная галерея, Вашингтон).

Живописец, рисовальщик и гравер Ян Госсарт получил прозвище Мабюзе по месту своего рождения. В 1503 он вступил в гильдию Святого Луки в Антверпене. Позже в свите утрехтского епископа Филиппа Бургундского посетил Рим, положив начало традиции поездок нидерландских художников в Италию для завершения своего образования. Большое влияние на творчество Госсарта оказали произведения мастеров итальянского Возрождения, особенно Рафаэля. Его стиль письма стал тоньше.

«Мадонна с Младенцем» — одна из лучших картин зрелого живописца. Существует предположение, что она могла быть левым крылом диптиха, однако никаких сведений о том, что являлось его правой частью, не сохранилось. В Париже, в Лувре, хранится так называемый Диптих Каронделе, одно крыло которого — также «Мадонна с Младенцем», а второе — портрет, очевидно, донатора[1]. Так могло обстоять дело и с чикагской работой.

В 1513 и следующем годах Альбрехт Дюрер создает три произведения, которые принято объединять общим наименованием «Мастерские гравюры». Это «Святой Иероним в келье», «Меланхолия» и данная гравюра, две последние представлены в музее. Они знаменуют не только высшую точку развития таланта творца, но и вершину всего европейского искусства гравюры.

Совершенно очевидно, что эти работы заключают в себе аллегорический смысл и содержат множество символов. В данном случае изображен рыцарь в латах и на коне. Его немолодое лицо спокойно и сурово, взгляд устремлен вперед, забрало на шлеме поднято. Доспехи изображены настолько точно, что по этой гравюре сейчас можно воссоздать снаряжение воина XVI века. Героя обступают Смерть и Дьявол, сцена происходит в диком лесу. Вспоминаются первые строки «Божественной комедии» Данте:

У Дюрера, как и у Данте, «сумрачный лес» — это, конечно, не просто пейзаж, а «лес» людских грехов, то есть аллегория. Человека на каждом шагу подстерегают опасности, и главнейшая из них — впасть в грех. Его символизирует Дьявол с мордой вепря, рогами барана и крыльями летучей мыши. То, что он позади всадника, часто интерпретировалось как преодоление Рыцарем искушения. Но и при этом героя впереди ждет неминуемая Смерть. Она обычно представлялась в виде скелета, часто с косой, Дюрер не раз изображал ее. Здесь Смерть имеет плоть, но лицо наполовину сгнило, видны провалы глазниц и носа, а на голове у нее корона. Художник неистощим в изобретении ужасного: вокруг зубцов венца вьются отвратительные, как могильные черви, змеи. О смерти в гравюре также говорят многие аллегорические элементы, в частности череп на земле. Его можно трактовать как иллюстрацию известной сентенции: «Sum quod eris, quod es olim fui»[2]. На заднем плане, на вершине горы, — замок — символ идеального мира («Град Божий», если возводить концепцию к Августину).

[1] Заказчика.

[2] С латинского — «Кем вы желаете быть, мы уже были».